En el estudio tipo loft de Cristina BanBan en Bushwick, sus cuadros se encuentran contra las paredes, sin marco, sus tonos carnosos y vibrantes contrastan con el blanco del estudio bañado por el sol. BanBan trabaja a gran escala; sus cuadros miden uniformemente más de dos metros de alto. Durante años, su tema ha sido el desnudo femenino; muestra a mujeres en diversos estados de desnudez y reposo, con la proporción de sus cuerpos magnificada. Múltiples figuras abarrotan el lienzo, alterando las formas de las demás.
Cuando visité por primera vez a BanBan en su estudio en 2022, estaba preparando una serie para un espectáculo en Perrotin París. Su última serie titulada La Matrona, La obra de BanBan, que se exhibe en la Galería Skarstedt este mes, continúa su trayectoria del año pasado, cuando comenzó a complicar sus figuras a través de la abstracción e interrumpiendo la forma de sus sujetos superponiendo siluetas y obstruyendo su línea con franjas de color. Debido a la aplicación dinámica y corpórea de la pintura de BanBan, la quietud de sus estudiados retratos figurativos rebosa de vida. Recientemente, me reuní con BanBan para hablar sobre su último trabajo y cómo ve la evolución de su estilo.
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MCDOUGALL: La última vez que nos vimos fue poco después de la pandemia de COVID-19, y usted estaba hablando de cómo la memoria y el aislamiento habían influido en su trabajo. Tengo curiosidad por saber si ahora, en los 18 meses transcurridos desde entonces, eso ha cambiado.
BANBAN: En mi caso, como trabajo mucho, siento que han pasado muchas cosas en mi obra desde entonces. Siento que estoy en un lugar completamente diferente. Creo que en ese momento me di cuenta de que no podía seguir haciendo las mismas pinturas en las que te contaba una historia y las pinturas eran narrativas, donde podías ver una escena y podías leer la pintura de una manera más realista. Es como, “Oh, a la mierda con eso”. Ya no quiero hacer eso. ¿Qué puedo hacer? Así que la idea de mis dos últimas exposiciones, una en París en marzo y la siguiente en octubre, era experimentar más. Creo que me estoy alejando de la necesidad de decirte algo con mis pinturas y me estoy centrando en la materialidad de la pintura y en entender la figura como un vehículo para expresarme. A veces, las pinturas se están volviendo más abstractas porque estoy explorando diferentes aspectos de la pintura, como la forma y el color. La pureza concepto de la pintura. Si eliminas la narración, ¿qué queda?
MCDOUGALL: La última vez que estuve aquí, te pareció que estabas justo al comienzo de esa exploración de trasladar la figura a la abstracción o de jugar más con la forma de la pintura. Recuerdo que en esas primeras piezas, los cuerpos se superponían y se veían líneas inacabadas. Pero en esta obra, parece que estás jugando mucho más con el color.
BANBAN: En realidad no pienso en el color. Preparo el dibujo, pero no preparo realmente cómo abordaré la pintura y los colores. Es un poco complicado de explicar porque estoy en medio de darme cuenta de lo que estoy haciendo. Estoy en medio de entender mi propia práctica. Pero el año pasado, después de mis exposiciones, mi enfoque fue simplemente centrarme en la expresión y el movimiento y en cuánto podía impulsar la figuración. Después de terminar esto, me di cuenta de que estaban muy cargados de emociones. Estaba hablando más sobre el concepto de figura y mujer como un tema más universal, y me di cuenta de que la pintura está realmente cargada de emociones. Tal vez los colores y el proceso que elijo en el momento estén todos conectados con lo que estoy atravesando en mi vida personal. Que es muy emocional. He pasado por algunos problemas de salud, problemas relacionados con la mujer. Es mucho dolor. Y creo que en las últimas pinturas realmente se puede ver eso. Hay mucho rojo y burdeos y creo que, para mí, era un poco oscuro. Pero aquí es donde estoy en este momento.
MCDOUGALL: ¿Cómo influye el movimiento en tu proceso? Porque te utilizas a ti mismo como modelo y experimentas de esa manera.
BANBAN: Bueno, tengo que decir que en esta exposición he utilizado dos modelos diferentes. Ya no soy yo, lo que aporta un nuevo movimiento porque todo el mundo debería traer algo diferente con lo que trabajar. Pero tengo que decir que me di cuenta de que a veces se convierten en una copia de mí, porque todavía creo que los transformo. Con los rostros, como la línea de la mandíbula o los ojos, la exageración de ciertas partes del rostro para hacerlo mío. Es interesante porque hay otro cuerpo, pero a veces siento que se pueden ver partes de mi rostro. Pero para esta exposición, sí, he utilizado dos modelos hermosas que me ayudaron a armar esta obra. El movimiento de la pose sigue siendo muy clásico. Mi punto de partida es en gran medida la mujer sentada, de pie y reclinada. Pero luego, en cada cuadro, la situación cambia. Depende de cómo me apetezca abordarla.
MCDOUGALL: Y luego, en términos de trabajar en la pintura y aplicar la pintura al lienzo, podemos ver el movimiento dramático de tu trabajo.
BANBAN: Sí. Repito, está muy conectado con mis emociones. Así que para mí pintar es una especie de función visceral. Creo que eso se puede sentir realmente en esta serie. Algunas de ellas pueden ser un poco más tranquilas, pero es algo que sin duda es común en todas estas pinturas. Tengo cierta velocidad. Creo que tal vez sea una contraposición entre las poses, que son un poco tranquilas y relajantes, o las pausas, donde la forma de abordar la pintura es mucho más rápida. Creo que es mi forma de entender la pintura: cuando la veo, actúo rápidamente porque me gusta que esa energía se traduzca en la pintura.
MCDOUGALL: A largo plazo, ¿pintar se ha vuelto más activo, dinámico o más rápido para usted?
BANBAN: Creo que a medida que creces como ser humano y te vuelves más consciente de ciertas cosas, también te vuelves más consciente de quién eres como pintor. Y comprendí que podía sentir que esa conciencia se trasladaba a la pintura, que no debía pensarlo dos veces. Era casi más cruda. Quiero que mi pintura sea más cruda en cuanto a los sentimientos, porque si piensas demasiado en ello, el proceso te aleja de ese sentimiento primario.
MCDOUGALL: Especialmente si dejas que la emoción sea el impulso.
BANBAN: El dibujo es más como una meditación, porque me tomo el tiempo de sentarme. Es más tranquilo. La pintura es lo opuesto. Es más como el estómago. También aprendí cuándo parar, a entender cada pieza como un todo, como si tuviera vida propia. Así que no me gusta mucho volver a la pintura para terminarla o pensar en ella mientras pinto otra. Las dejo ser como son.
MCDOUGALL: Trabajas con el desnudo femenino desde hace un tiempo. ¿En qué medida crees que tu obra se enmarca en ese linaje? ¿O estás yendo en contra de él?
BANBAN: No creo que me corresponda decir si soy parte de esto o si voy en contra de la tradición, pero puedo decir que utilizo cuerpos femeninos porque, por mi propio bien, me ayuda a hablar de mis emociones. Por eso I Utilizar el cuerpo femenino. Obviamente, se puede abordar este tema de muchas maneras diferentes, como por ejemplo, la mirada de una mujer que pinta el cuerpo de una mujer, y eso es diferente de un hombre y una mujer desnuda, por supuesto. Pero esa es mi respuesta. Creo que es más personal para mí.
MCDOUGALL: Lo que me parece realmente hermoso es que las figuras no están sexualizadas. Hay un tipo diferente de intimidad en relación con el cuerpo de una mujer y una sexualidad sin que se trate de la sexualización del cuerpo.
BANBAN: No entiendo muy bien por qué tendrían un carácter sexual o sensual. Creo que eso es más bien lo que piensa el espectador, no que esa sea mi intención. Nunca ha sido esa mi intención. Así que creo que lo que importa es quién mira las pinturas. Creo que hay una diferencia entre hacer una figura completamente desnuda y añadirle algunas prendas de vestir, y probablemente por eso algunas personas entenderán que lo visual está relacionado con algún tipo de sensualidad o sexualidad, lo que nunca ha sido mi intención. Pero como no están completamente desnudos, tal vez eso te permita leerlo de esa manera. Para mí, hace que esos personajes parezcan más contemporáneos y más cercanos a mi generación. También ayuda el color, añadir ropa. A veces incluso añado algo de color al pelo, que parecerá un halo o una flor española, y eso te hará pensar de dónde vienen. Cualquier cosa que pongas en la pintura que sea figurativa le dará un significado.
MCDOUGALL: Aquí, en realidad, no hay muchos detalles explícitos contemporáneos, como teléfonos, como he visto en tus trabajos anteriores.
BANBAN: Hay muy pocos detalles. A veces se ven algunas sillas o ideas de fondo con arcos para la composición. Pero el realismo o la figuración te dan mucho significado porque nuestros cerebros asocian muy rápido, ¿no? Me di cuenta de que borré partes de los rostros, todas las miradas, porque te da mucha información sobre hacia dónde miran estas figuras.
MCDOUGALL: Esa superposición de cuerpos, la forma en que se interrumpían entre sí, todavía puedo verla presente. Pero muchos de los cuerpos están más llenos o más completamente pintados.
BANBAN: Definitivamente, todavía están ahí, porque yo construyo la pintura. Pero la técnica definitivamente ha evolucionado. Todavía estoy partiendo de ese punto, así que puedes ver cómo construyo esas imágenes, pero la línea no es tan visible como antes, por lo que algunas figuras serán más realistas, como los volúmenes de la piel, la carne. Y otras veces se volverá más como un color liso con un par de líneas. Me gusta jugar con eso.
MCDOUGALL: Las manos todavía se sienten importantes.
BANBAN: Sí, es una constante. Por ahora sigo bajando el ritmo con las cabezas y las manos, y me relajo un poco con los cuerpos. Pero debo decir que todavía necesito estos dos elementos. Son muy personales en la pintura.
