Una película de Disney llamada Alma es una propuesta dudosa, y no simplemente porque la marca representa una de las megacorporaciones del S&P 100 más orientadas al público que ha tirado de las palancas de la cultura del consumo en la historia de la humanidad. Más aún, Alma transmite profundidad, significado y sinceridad en su mismo título, proyectando un sentimentalismo tortuoso como declaración de misión. Señala que Disney se está esforzando por aportar más conciencia a la cultura, y más concretamente a los adultos del mañana, un ejercicio de marca interesado que refuerza la primacía de Disney como la marca familiar que hace sentir bien y que acaba con todas las marcas familiares. De alguna manera todo parece un poco obvio, incluso desde el estudio que te trajo Cochesuna película sobre coches.
Dirigida por Pete Docter, Alma se basa en el entretenimiento educativo y la terapia de la película anterior del director De adentro hacia afuera plantear la cuestión de qué constituye un alma humana—¿Qué hace que valga la pena vivir la vida? pregunta sin rodeos, pero nunca llega a una respuesta satisfactoria. La película sigue al profesor de banda de secundaria Joe Gardner (Jamie Foxx), que anhela dejar su trabajo demasiado seguro para triunfar como un gran jazz en el escenario, para disgusto de su madre de mentalidad práctica, Libba (Phylicia Rashad). . Cuando un ex alumno invita a Joe a una audición para la renombrada saxofonista Dorothea Williams (Angela Bassett), lo logra, consigue el concierto y rápidamente cae en una alcantarilla de la ciudad de Nueva York y muere. Al darse cuenta de que está en una cinta transportadora hacia “El Gran Más Allá”, huye en la dirección opuesta y termina en “El Gran Antes”, el lugar donde las almas jóvenes y fértiles se forman y son enviadas a la tierra para nacer de nuevo. Se abre camino hasta convertirse en el desafortunado mentor de Soul #22 (22 para abreviar, con la voz de Tina Fey), una novata centenaria que es tan interdimensionalmente desagradable que rutinariamente no logra completar el desarrollo de su alma y llegar al reino de los mortales. Los dos hacen un pacto para que 22 pase su prueba y le dé a Joe su “Pase Terrestre” para que pueda volver a su vida. A partir de ahí, surgen aventuras y travesuras, a través de las cuales Joe y 22 terminan enseñándose mutuamente sobre el significado de la vida… de manera abstracta, en el mejor de los casos.
lo que hizo De adentro hacia afuera Una de las películas más innovadoras (y mejores) de Pixar fue su narración cerebral y fantasmagórica, que deconstruyó la mente subconsciente y construyó una aventura psicodélica a partir de sus componentes desensamblados. Tenía risas profundamente satisfactorias, verdadero misterio, mucho en juego y sorprendentes giros de emoción (la escena del “olvido” de Bing Bong es un momento epífano que rara vez se encuentra). Como el de Lewis Carroll Alicia en el País de las Maravillas, De adentro hacia afuera Nos catapultó a un inframundo de la mente y amenazó con no dejarnos salir nunca. Almasin embargo, ping-pong entre la vida terrenal de Joe, en un Manhattan irreconociblemente higiénico, y un purgatorio de gran escala con seductores detalles de textura; dos paisajes igualmente superficiales que te hacen desear que la película hubiera elegido uno y lo hubiera llevado más lejos. Hay tanto para mí en la experiencia de morir (Pixar asumir alucinaciones de DMT es una perspectiva entusiasta y una oportunidad perdida entre muchas) que la decisión de retratar la otra vida como una extensión relativamente banal, lijada y suelta de burbujas y suaves -Los colores de enfoque se sienten como el resultado de agrupar la idea más segura y desinfectada del mundo sobre el ascendencia del alma imaginable.
Operando a una frecuencia creativa muy superior a la de sus competidores, Pixar logra impresionar con su trabajo de animación, en algunas partes: las texturas extrañas y relajantes del éter purgatorio, los contornos oscuros en tonos púrpuras del reino de la “zona” donde nuestro las mentes subconscientes vagan durante el pico de creatividad, y un personaje pirata onírico tremendamente psicodélico que merece su propio ensayo, llamado Moonwind (Graham Norton). Teniendo esto en cuenta, las partes más impresionantes de la película provienen, sin embargo, de un comité de guías espirituales burocráticos llamados “Jerry”, elegantemente dibujados como enigmáticos garabatos lineales, que parecen ser omniscientes y completamente ajenos al mismo tiempo, sin ninguna lógica determinante en cuanto a por qué. Pintar en términos generales algo tan libre como lo eterno con los enloquecedores marcos burocráticos de la modernidad máxima también parece algo que hemos visto demasiadas veces, en todas partes, desde jugo de escarabajo a El buen lugar a Albert Brooks Defendiendo tu vida. muchos de AlmaLos demás atributos se sienten igualmente a medias, y en el tercer acto, las cosas parecen apresurarse hasta el final sin atar los innumerables cabos sueltos que han impulsado la historia. Explorarlos es similar a muchas de las guías de autoayuda disponibles en el mercado comercial: una pérdida de tiempo.
Un principio animador detrás de todo Disneyana es el del peligro perpetuo, una invasión omnipotente de la muerte y el enfrentamiento de los jóvenes con los viejos, espantosos y fatales. En su histórico ensayo de 1989, “El lado oscuro de Disneylandia”, Donald Britton se maravilló de la incesante preocupación del parque temático de Disney por la mortalidad. La Reina de Blancanieves, escribió, “representa lo que (Disney) equivale a pura maldad: la mortalidad misma, el hecho bruto de que envejecemos y morimos”. Al diseñar un mundo de dibujos animados viviente, Walt Disney buscaba “resucitar, reanimar y hacer inmortal, lo que el tiempo, en el mundo sin dibujos animados, destruye”. En sus clásicos de cuentos de hadas, Disney se apoya en la fantasía para abstraer el espectro muy real de la muerte y la decadencia, dándose un espacio placentero para extrapolar imágenes sombrías y amenazadoras y, al hacerlo, conjurar un heroísmo opuesto. En otras palabras, el peligro existencial es tan real que sirve como mecanismo catalizador para aventuras elevadas, desarrollo del carácter y autosuficiencia. Cada cuento de princesa es, a su manera, una elegía a la inocencia fracturada.
Almasin embargo, es elegíaco a la idea de sueños frustrados y entregarse a la mediocridad, un enigma sorprendentemente de mediana edad para una película animada para niños. Al igual que en el universo Marvel de Disney, Alma juega rápido y suelto con la muerte, presentando un mundo donde uno puede morir y mágicamente volver a la vida, dejar el cuerpo, cambiar de cuerpo, regresar y comenzar de nuevo, todo sin que nadie se dé cuenta ni sufra repercusiones físicas. Es un esfuerzo sin riesgos, eclipsado en cinismo sólo por la epifanía forzada que constituye el final de la película. A través de un manipulativo número de piano (la partitura está brillantemente elaborada por Trent Reznor y Atticus Ross), vemos una avalancha de detalles de la vida cotidiana de Joe: flores, transeúntes, pianos, cordones de zapatos, incluso migas de pan literales. Quizás la vida, sugiere la película, se trata más de estar simplemente presente y asimilar los detalles más finos, y menos de ambición, autodescubrimiento o creatividad. Disney ha pasado del cumplimiento del destino y el autodescubrimiento a valorar la complacencia. Sin duda, es una cualidad ideal para los suscriptores de Disney+.
