“La mejor obra de arte es aquella que te engaña”, dice el artista Joe Mama-Nitzberg un viernes por la tarde reciente. Habla en general, pero estas son palabras por las que se rige el artista radicado en Catskill, Nueva York. El “truco” en juego en la obra de Mama-Nitzberg tiene sus raíces en su dominio (y subversión) de la semiótica. Los mensajes de los reinos de lo erótico, lo comercial y lo histórico no se propagan bajo la superficie de sus obras tipo collage sino que se desgarran. a través de ellos, confrontando al espectador con una colisión de referencias que a menudo requieren tiempo y conocimiento para analizar. Una única pieza de Mama-Nitzberg se despliega para revelar imágenes tomadas de revistas descontinuadas y del propio patio trasero del artista, superpuestas con divertidos gráficos pop y citas crípticas de autores modernistas y teóricos queer. Cada aumento añade una dimensión nueva e inquietante al trabajo del artista, aunque no necesariamente una que él espera que llegue a los espectadores. “No espero que la gente entienda todo eso”, dice sobre las referencias hiperpersonales incorporadas en Clases de arte óptico.la exposición individual del artista que se inaugura mañana en la Galería Grant Wahlquist en Portland Maine, “pero mi esperanza es que resuenen en este nivel de fondo”. Para conmemorar la exposición, Mama-Nitzberg habló con su amigo, el fotógrafo Jack Pierson, sobre todo, desde sus días de gloria en el Chateau Marmont hasta la traducción de la historia personal a un medio universal.
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JOE MAMA-NITZBERG: Hola Jack. ¿Dónde estás?
JACK PIERSON: Estoy en la autopista de Long Island en dirección a Long Island.
MAMA-NITZBERG: Dios mío, ¿todavía está inundado?
PIERSON: Parece que definitivamente lo fue. Muchos autos abandonados al costado de la carretera. Entonces, comencemos. ¿Cómo nos conocimos?
MAMA-NITZBERG: Estaba en la escuela de posgrado en el Art Center a principios de los años 90 y usted dio una charla para un curso en el que yo estaba dando. No tenías auto, tuve que ir a buscarte a tu hotel. Esta fue una de mis cosas favoritas. Le dije: “Puedo recogerte. ¿Dónde te estás quedadando?” Y usted dijo: “Chateau Marmont. ¿Has oído hablar de eso? Te respondí con descaro y dije: “¿En serio? ¿Qué bungalow? ” Y dijiste: “Estoy en una habitación del hotel principal”. Dije: “Oh, qué lástima”. Ahí es donde empezamos.
PIERSON: Exacto. Hablando del Chateau, recuerdo haber comisariado una sala para Regen Projects en la primera Feria de Arte Chateau Marmont, y recuerdo haber incluido una pieza suya que creo que se llamaba “Stonewall Speedball”.
MAMA-NITZBERG: Todavía me siento muy honrada por eso. Es un autorretrato mío como Judy Garland en el campo nevado de amapolas de mago de ozy estaba colgado debajo de un cuadro de John Wayne Gacy.
PIERSON: ¿Cómo hiciste ese telón de fondo? ¿Fue Photoshop?
MAMA-NITZBERG: Es predigital. Quiero decir, esas cosas estaban mucho más allá de mí. Mi amigo me tomó la foto y construimos el decorado con flores de papel crepé de Dollar Store. La nieve era detergente para la ropa.
PIERSON: Lo fi. Fantástico.
MAMA-NITZBERG: Muy de los 90. Mi visión era que se pareciera a Pierre et Gilles, si no tuvieran dinero. En el mundo del arte de 1994, Pierre et Gilles eran la referencia menos adecuada que se podía hacer. Quería hacer retroceder las expectativas.
PIERSON: ¿Fuiste a la escuela de arte para obtener tu título universitario?
MAMA-NITZBERG: Tengo una licenciatura en cine, lo que significa que puedo ver una película de forma profesional. Sorprendentemente, no hay mucho trabajo en eso.
PIERSON: Vaya. Entonces, ¿la pieza de Judy Garland se centró más en el autorretrato o es más una crítica cultural?
MAMA-NITZBERG: Ambos. En ese momento, Judy aún no había sido reconsiderada como este ícono queer empoderado. Ella todavía era la vieja reina o la trágica vergüenza.
PIERSON: ¿Cómo crees que ha cambiado? ¿Hacer referencia a ella es empoderador en estos días?
MAMA-NITZBERG: Creo que cuando gran parte de la cultura predigital migró a Internet, se reorganizó a través de una lente contemporánea. Todavía está el gran lío y escándalo de Judy, pero cada vez más, especialmente con la película biográfica de Renée Zellweger y los feeds de Instagram sobre la “historia gay”, el tono es más comprensivo, lo cual aprecio, pero también un poco diluido.
PIERSON: No quiero sonar muy viejo, simplemente siento que la generación a la que me encuentro dando conferencias estos días no está ansiosa por escuchar. Son más como: “Está bien, te escucharemos hasta que dejes de hablar de esto”.
MAMA-NITZBERG: No estoy segura de que sea culpa suya. Simplemente creo que Internet te hace sentir como si conocieras toda la historia.
PIERSON: O que tienes una comunidad. No culpo a nadie.
MAMA-NITZBERG: Eso es algo con lo que juego en mi trabajo. Quiero usar estas referencias muy anticuadas que aún son poderosas, y ocultarlas o ponerlas en primer plano mientras aporto un poco de cultura de Internet, así que es como, “la abuela hace un meme”. Mi esperanza es que resuenen en este nivel de fondo, donde comuniquen algo a personas que no necesariamente entienden las referencias.
PIERSON: Tu nuevo trabajo es muy gráfico y cinético. Pero me pregunto: ¿estás predicando en el asilo de ancianos, de alguna manera?
MAMA-NITZBERG: Quizás. No. Mi esperanza es que estas referencias reboten entre sí, al estilo del huevo o la gallina. Involucro a estas figuras culturales, como Judy, con la que tanto nos identificamos, y me ubico en su espacio. Entonces, soy este ser que fue impactado por Judy, pero cuando me fotografío en el campo de amapolas, es como, “Sí, esa es solo una reina recostada en un campo de amapolas”. No me convierto en una figura histórica.
PIERSON: Correcto.
MAMA-NITZBERG: Llévate las piezas con las citas de Svetlana Boym en el nuevo espectáculo. Una imagen es el edificio de educación en Albany y la otra está en nuestro patio trasero en Catskill. Se supone que es la misma persona, siete años después, cuando adquirió su identidad masculina gay completa, tratando de ser sexy con ese mono loco que es tan vergonzoso. La imagen base es de Revista Después del anochecerque se desarrolló entre el 68 y el 83, es decir, literalmente, el año anterior a Stonewall y los inicios del SIDA. Es una fuente rica para mí porque es esa época dorada del orgullo gay y la revolución sexual. Muchos de los chicos de la revista eran pianistas de cabaret o modelos en estas sesiones de fotos de moda o bailarines o actores que eran tan famosos en ese momento, y que uno supone que fueron víctimas del SIDA. Te hace preguntarte: ¿cómo sería esta cultura si el SIDA nunca hubiera existido? Para alguien de la edad que tengo con la vida que he llevado, sé que puedes identificarte con esto: la lente del SIDA es ineludible.
PIERSON: ¿Es en eso en lo que se centra “They Had Had”?
MAMA NITZBERG: Sí. Es una historia de moda de Después del anochecer para ropa interior y trajes de baño de los años 70 que he alterado, doblado y revertido. El texto es una cita de Henry James de El cuenco dorado que dice: “Habían tenido temores así como habían tenido alegrías”. Le di la vuelta porque quería darles a estos chicos sus alegrías antes que sus miedos. No espero que la gente entienda todo eso, pero espero que resuene con el tono de la pérdida y de ese viaje.
PIERSON: ¿Haces estas cosas para convertirte en un espectador de tu propia vida, para escapar del sufrimiento de ella?
MAMA-NITZBERG: Creo que es un mecanismo de afrontamiento, un proceso de duelo, una manera de encontrarle sentido a cosas que son insondables. Es una forma de formalizar esa vulnerabilidad. No espero que el espectador reconozca cada matiz de este trabajo e intuya lo que significa para mí, pero tal vez resuene para ellos de una manera diferente. Sólo puedo hacer trabajo para mí. Esa es la única manera de ser universal, hacer que funcione de manera increíblemente específica. Lo haces muy bien. Siempre has usado tu vulnerabilidad emocional de una manera muy pública.
PIERSON: Definitivamente. Es una forma de contar tu historia diferente a la creación de arte habitual. No creo que a muchos artistas conceptuales les importe tanto la historia o el yo como a ti y a mí. Siento que otros artistas pueden obtener toda esa vulnerabilidad y narrativa simplemente moviendo pintura. Entonces, ¿por qué necesitan incorporar todo este trabajo de referencia?
MAMA-NITZBERG: Eso es interesante. Tenemos todas estas expectativas sobre cómo se desempeñan culturalmente los diferentes medios. Para mí, la mejor obra de arte es aquella que te engaña, cuando te acercas pensando: “Oh, es esto”, y luego te das cuenta de que no es eso en absoluto. Eso impulsa una mayor exploración. Entonces, espero seducir en un nivel y luego, por la puerta trasera, incorporar estos otros elementos que desafían las expectativas. Para mí, ese es el polvo mágico. Odio cuando mis expectativas se ven cumplidas por el arte. Otras personas no se sienten así, y eso está bien, pero espero llegar a esa audiencia que se emocione con ese sentimiento.
PIERSON: Bueno, esperemos que entren por la puerta de la galería Grant Wahlquist.
MAMA-NITZBERG: Y esperemos que entren por la puerta de Regen Projects. Estamos arrasando en las costas, desde Maine hasta California.
