Sra. Tommy, ¿la autoexpresión es una forma de activismo?
Cien por ciento. Me convertí en director porque sentí que no tenía suficiente agencia en términos de contar historias que realmente pareciera que fueran relevantes como actor, porque tienes que esperar a lo que te llega. Pero como director, puedes iniciar proyectos, y eso es lo que estaba buscando: cosas que me parecieron resonantes, que sintieran que tenían significado. El valor de la promoción es algo que realmente me resuena.
Creciste en una familia de activistas, ¿verdad?
Sí, y crecí en Sudáfrica durante el apartheid, en un estado fascista donde la gente tenía mucho miedo todo el tiempo. Era una época de enorme agitación política, en la que la gente salía a las calles a protestar. Cuando era joven, esos son realmente mis primeros recuerdos. Y creo que para mí, sentirme siempre como ciudadanos de segunda clase debido a nuestra raza… Me hizo querer sentirme libre. Viví durante tanto tiempo con este sentimiento de opresión y represión que creo que siempre quise sentirme libre de ser yo mismo y expresarme. Y hay algo en el dramatismo del teatro y en el tamaño del teatro que creo que me hizo sentir libre.
Aparentemente, como director de teatro, no estás interesado en absoluto en el realismo; en realidad estás buscando una sensación más grande que la vida en el escenario.
¡Definitivamente tengo un fuerte punto de vista sobre los estilos de actuación! Realmente me gusta una especie de crudeza. Quiero que las personas que miran se olviden de que están viendo una obra de teatro y sientan que están viendo la vida real. E incluso cuando es más dramático, o cuando es más simple, se sienten tan atraídos… Yo lo llamo una “vibra inclinada hacia adelante”, eso es lo que quiero. No quiero que la gente sienta que puede simplemente sentarse y mirar. Quiero que estén completamente comprometidos.
Me imagino que el movimiento y la fisicalidad son una parte importante para mantener al público interesado y darle vida a una actuación en el escenario.
Claro, entonces con algo como Eclipseque es una obra que hice en Broadway sobre la guerra en Liberia y sus efectos para las mujeres… Trabajamos muchísimo con los coreógrafos de lucha sobre el uso de armas, sobre warcraft, sobre cómo se vive, se mueve y simplemente funciona en en medio de una guerra cuando hay peligro en todas partes, y lo que eso le hace a tu cuerpo. Siempre comienzo con una investigación rigurosa y luego con mucha preparación física. Es importante darle vida física a las piezas. Una vez que encuentras tu lugar en un personaje, una vez que entiendes cómo se mueve, tiene una especie de efecto dominó a través de tu cuerpo y tus cuerdas vocales, y todo comienza a encajar.
¿Qué más contribuye a ese proceso?
Bueno, ¡me encanta relacionarme con los actores! Y no tengo miedo de dirigir y creo que probablemente la mayoría de los actores dirían que soy bastante duro, bastante exigente porque sé cuándo se están conteniendo. Sé cuándo hay más que sacar de ellos, así que puedo ser implacable en ese sentido. Pero siempre ha dado sus frutos. Mi trabajo como director es ver en las personas cosas sobre sí mismas que no necesariamente sabían que estaban ahí y sacarlas a la luz. Pero al mismo tiempo, es un equilibrio complicado porque no puede parecer algo tan grande que no se sienta como un comportamiento humano, ¿sabes? Aún quieres que la audiencia se conecte. Pienso en el escenario, siempre digo que la gente viene al teatro a ver gente libre, viene a ver gente diciendo y haciendo cosas que nunca se atreverían a hacer en su vida.
Se trata de la fantasía.
Cierto, la gente vive indirectamente. Entonces, para mí, se trata simplemente de asegurarse de imbuir estos momentos con tanto drama y matices como sea posible, para que la gente pueda entregarse a su imaginación.
Acaba de dirigir su primer largometraje. ¿Encontraste que el proceso era diferente en este nuevo medio?
En lo que respecta a mi trabajo con los actores, es bastante consistente, es más o menos lo mismo. Lo único que es diferente es la forma en que puedes jugar con la cámara y su relación con el actor. Puedes crear mucha más intimidad. Por ejemplo, trabajar con Jennifer Hudson en la película biográfica de Aretha Franklin, RespetoRealmente quería esa intimidad. Hay muchos de estos momentos en los que Jennifer está sola en una habitación y tú simplemente vives con ella, respiras con ella, la ves resolver las cosas. Y esa, para mí, es una de las partes mágicas del cine: adentrarse realmente en la humanidad de alguien de una manera que no se puede lograr en una producción teatral.
¿Es posible ese tipo de intimidad con una producción teatral?
Es curioso porque creo que los silencios son una gran prueba para saber si el público está contigo. ¿Sabes eso de oír caer un alfiler? Todo el mundo ha dejado de respirar porque están tan comprometidos, tan asustados de lo que sucederá a continuación, o están tan interesados en ello… Eso es algo muy importante. Tienes que crear estos momentos en los que la gente deja de respirar. En el teatro, eso se hace con el diseño del escenario, la actuación, puedes resaltar una iluminación que se siente muy contenida porque estás guiando los ojos de la gente. Ese tipo de herramientas escénicas son tan importantes como la cámara en una película. Estás decidiendo constantemente hacia dónde mira la gente, y así es como puedes crear momentos dramáticos para asegurarte de que la gente lo vea como tú quieres.
¿Hay algún equilibrio que debas lograr entre la narración honesta y la narración dramática?
Quiero decir, mi trabajo como artista es confiar en mi imaginación, confiar en mi instinto. Me interesa el equilibrio entre el drama extremo y la narración épica junto con una narración delicada y matizada. Con Respeto, Tuve que pensar mucho en esto, especialmente en términos de música. Quería que todos cantaran en vivo porque entiendo la intensidad de la actuación en vivo desde mi época en el teatro. Quería que ese tipo de intensidad emocional que Aretha Franklin aporta a su música estuviera en toda esta película… Definitivamente es una estética que traje conmigo, simplemente una especie de crudeza y una intensidad emocional realmente grande equilibrada por la narración: ¿Cuáles son los ¿Acontecimientos reales de su vida? ¿Cuáles se sienten significativos? Todo lo que puedes hacer es saturarte de investigación, de información y de la historia, y luego debes dejar que tu imaginación y tus instintos artísticos se hagan cargo.
