Sr. Sigel, al igual que los actores que tienen problemas para deshacerse de su personaje al final de la jornada laboral, ¿a usted, como director de fotografía, también le resulta difícil dejar una película atrás?
Bueno, siempre estás pensando en ello. Para bien o para mal, es una tarea muy agotadora. No es como un trabajo en el que puedes subirte a tu auto al final del día y no tener que pensar más en ello. Es como una campaña militar, desde el principio hasta el final. (risas) Y tal vez cuando termines la película, puedas seguir adelante. He tenido la gran suerte de poder trabajar en una amplia gama de películas y géneros. Pero creo que, en todo caso, el problema es cómo encontrar una forma nueva y fresca de contar la siguiente historia, de modo que no vuelvas a recurrir a tus viejos trucos o repitas tus mismas ideas una y otra vez, ¿sabes?
¿Cómo se puede prevenir eso?
Creo que mi estilo cinematográfico es mucho más cubista, cada película tiene su propia receta y sabor. Lo que pasa con ser director de fotografía es que, de todas las artes, es una de las más colaborativas. Tú no eres el músico, eres el director. Entonces, si piensas en el compositor como en el director, están reuniendo a este enorme equipo para trabajar todos en la misma dirección, con suerte, y producir un producto final, una imagen final. Y realmente no puedes hacerlo solo, en casa. El violinista puede volver a casa y tocar el violín, practicar su música. Pero el revisor llega a casa, se mira en el espejo y simplemente agita los brazos. Entonces, como director de fotografía, tienes frente a ti este ejército de personas a las que tienes que dirigir.
Y no sólo eso, sino que también decides la paleta de colores, la iluminación… Hay infinidad de artículos online que analizan e interpretan la psicología de tu cinematografía.
La paleta de colores es algo que debes abordar en cada película que hagas. No existe una paleta de colores estándar: tienes que tomar esas decisiones en función de lo que intentas expresar en tu historia, el estado de ánimo y la emoción que estás buscando. Y esas decisiones no son distintas de los entornos en los que estás filmando. Conducirfue, perdón el juego de palabras, muy impulsado por el alumbrado público urbano, por este contraste entre el color azul cian de las lámparas de vapor de mercurio con esta especie de coloración amarillo anaranjado y ámbar del alumbrado público. Lo tomé como mi entorno y simplemente lo seguí.
¿De qué otra manera influye el entorno en el estado de ánimo o la estética de una película?
Para Spike Lee Da 5 sangresPor ejemplo, sentimos que era importante mostrar una transición psicológica de los veteranos de guerra de la moderna ciudad de Ho Chi Minh a la jungla. Estos muchachos regresaban a un Vietnam muy diferente al que habían experimentado casi 50 años antes. Y la jungla representó un viaje al pasado, un regreso a sus propios recuerdos y experiencias de Vietnam. Queríamos esa sensación de que la jungla se los traga. Hubo muchas preguntas sobre cómo representar esos recuerdos y diferenciarlos del presente de la historia.
y en Da 5 sangres la relación de aspecto del rodaje cambia entre las escenas del presente y del pasado.
Claro, porque Spike y yo sentimos que la manera más apropiada y efectiva de hacerlo era filmarlo como se habría filmado en los años setenta: si fueras un camarógrafo de noticieros militares en ese momento, estarías en 16 milímetros. , rodar película invertida, predominantemente cámara en mano… Porque una cosa importante que hay que recordar es que Vietnam fue realmente la primera guerra televisada. Da 5 sangres es en gran medida una película sobre la memoria, y Spike tomó una decisión increíblemente audaz al poner a los actores en sus recuerdos en su edad actual. Pensé que era muy interesante, porque realmente habla de mucho de lo que hemos aprendido sobre cómo se forman los recuerdos.
¿De qué manera?
Bueno, la ciencia reciente ha demostrado que los recuerdos no son como este bien o un objeto perfectamente formado que mencionas. Los recuerdos se almacenan, como una computadora almacena datos, en diferentes partes del cerebro. Y cuando evocamos un recuerdo, lo reconstruimos a partir de esas diferentes partes. Y en cierta medida, esa reescritura de la memoria puede alterar el momento mismo en que se recuerda.
Al principio de tu carrera, filmaste varios documentales de guerra en El Salvador y Guatemala. ¿Te encontraste reviviendo esas experiencias cuando estabas filmando? Da 5 sangres?
Creo que esos recuerdos siempre están ahí. Están muy al frente y al centro. Pero además de recordar mi experiencia específica allí, ciertamente informó mis instintos sobre qué hacer con la cámara, dónde y cómo usarla; Me dio una idea de cómo tratar estos eventos premeditados y escenificados de una manera que parezca espontánea, ligeramente fuera de control e impredecible, como lo son en una guerra real. Realmente no volví a ver ninguno de mis documentales, pero sí vi muchos de los documentales que se hicieron en ese momento, como la serie de Ken Burns o el documental de Peter Davis. Corazones y Mentes, que es probablemente la mejor película sobre la guerra de Vietnam.
¿Qué pasa con la representación del pasado en una película como Bohemian Rhapsody? Rami Malek dijo que interpretar a una persona de la vida real en una película biográfica suponía mucha presión. ¿Qué tan fiel querías mantener la apariencia de esa época?
Creo que hay diferentes tipos de películas biográficas y Bohemian Rhapsody No era realmente uno específicamente. Por ejemplo, puedes tener una película como Hombre cohetedonde tienes un enfoque operístico muy estilizado, que te permite tener mucha libertad a la hora de retratar al personaje, y donde se convierte en una pregunta: “¿Estás editorializando?”. Pero creo que en el caso de Bohemian Rhapsody, Había un deseo de ser muy sincero sobre Freddie Mercury como personaje, quién era y cómo era. Rami estaba canalizando a Freddie junto con Brian May, así que creo que para él había una presión tremenda. Pero para mí, en realidad, de una manera curiosa, ¡probablemente tuve la mayor libertad!
¿Cómo funcionó para algo como la escena en la que Queen actúa en Live Aid? La puesta en escena debe haber sido muy precisa ya que se trata de una actuación tan icónica que todos reconocerían.
La escenografía tenía mucha presión para ser precisa. Pero lo que no quería hacer era filmarlo de la forma en que se grabó el día del evento, porque puedes ir a YouTube y ver esa presentación en vivo. No necesitas una película para hacer eso. Quería ver la actuación desde el escenario, contar realmente la historia desde un punto de vista personal, como si la cámara fuera un miembro de la banda, por así decirlo.
¿Le resulta más fácil darle vida a una historia cuando tiene estas referencias de la vida real en las que basarse?
Creo que, como artistas, hay quienes se basan en experiencias personales cuando crean; los actores lo hacen mucho. Y luego, están aquellos que recurrirán a su memoria de otras obras de arte, como, “Oh, va a ser como esa escena en Duende.” (risas) Y siempre he dicho que creo que es muy útil e importante tener experiencias de vida fuera del cine que puedas utilizar para informar, elevar y aportar un cierto grado de verdad al trabajo que creas. Creo que para mí mi memoria es muy visual. No soy un gran lector, no tengo una gran memoria de nombres y detalles, pero recuerdo cosas como el color, el tacto, la textura… Muchas veces tendré recuerdos así, pero Ni siquiera sé qué son exactamente, pero puedo cerrar los ojos y verlo.
