Señor Hirschhorn, los visitantes de su última exposición se encuentran primero con un rotafolio que dice: “¿Por qué existen los museos?” ¿Cuál sería tu respuesta?
Creo que los museos existen para ponernos en contacto con el arte.
¿Es por eso que el espectáculo es gratuito, para fomentar un mayor contacto entre el público y el arte?
Bien, al principio de la planificación surgió la idea de la entrada gratuita porque estoy tratando de atraer a una audiencia no exclusiva, como yo la llamo, para esta exposición. Es decir aquellos que tal vez tengan intereses distintos al arte, que tal vez piensen que el arte no es para ellos, que tal vez piensen que es para un círculo social diferente al que pertenecen. Y dirigirse exactamente a esas personas es importante, invitarlas es importante, esperar que vengan es importante.
No querrás que se sientan excluidos.
Eso es lo más importante, sí, y la forma más sencilla que puedo conseguirlo es haciendo la entrada gratuita. Quiero que la gente venga todos los días, o incluso que regrese dos o tres veces al día. Doy mi tiempo y estoy aquí y por eso es gratis.
También decidiste que las personas pueden tocar cada parte del trabajo en esta muestra, e incluso llevarse una pieza a casa si así lo desean.
Es un gesto emancipador que te permites a ti mismo, un gesto que es necesario. Hay cosas peores en la vida que llevarte un libro, ¿verdad? Un libro que tal vez leerás. Supongo que te llevas el libro porque lo percibes como un material de lectura interesante. Mi obra se expone en un museo durante tres meses y medio; que es una institución, y todo esto es parte de su forma a través de mi influencia. Significa crear un modelo de cómo podría ser un museo en el futuro. Un lugar para encontrarnos, para producir algo, tal vez también para producir tonterías, un lugar donde sentirnos bienvenidos.
¿Por qué es tan importante para usted el aspecto acogedor del arte?
El arte necesita ser universal. Así es como siempre me he encontrado con el arte. No necesariamente me siento incluido en el mundo del arte, digamos, ni en el mercado del arte, ni durante las discusiones sobre arte. Pero el arte en sí, eso siempre me ha incluido. Por eso quería insistir en que el arte es una dinámica inclusiva, un movimiento inclusivo. Ya sabes, hay cosas peores en la vida que llevarse una escultura de poliestireno.
Sin embargo, en algún momento la pieza puede desaparecer por completo.
Eso no es ningún problema. Tengo que liberarme de mi creación, tengo que despedirla, tengo que renunciar a ella. Y esa es también la belleza, que transmites algo, que dejas vivir algo, que le permites confrontar. Para ponerse en contacto con otros. ¿Mi arte vive sólo en mi estudio? Eso no tiene sentido. Quiere salir, eso siempre lo tuve claro. El arte quiere salir, necesita ser confrontado, necesita contacto, necesita volverse activo.
¿Coleccionas arte tú mismo?
No, no me llamaría coleccionista. Tengo cabeza, tengo corazón, tengo brazos y piernas, hay mucho que se puede hacer con eso, no hace falta ser coleccionista para eso. No tengo esta tentación de guardar cosas conmigo.
Su espectáculo en Munich presenta una ruina gigante construida en tres pisos. ¿Es justo decir que prefiere dejar que las cosas se deterioren antes que mantenerlas vivas para siempre?
(risas) Estoy interesado en la complejidad de una ruina, y quería construir una ruina aquí que suscite esa pregunta exacta: “¿Por qué es esto una ruina?” Es una forma con la que necesito comprometerme, para que pueda darme una nueva visión. Crea nuevas perspectivas, crea nueva densidad, permite diferentes vistas. Entonces pensé, tal vez pueda poner una ruina en un espacio donde podamos abordar estas cuestiones de la creatividad, de la dificultad de la creatividad. Una ruina en sí misma plantea la cuestión de la fugacidad, de un momento en el tiempo. Me intriga el hecho de que una ruina pueda tener su origen en muchos motivos muy diversos, corrupción, guerra o simplemente el paso del tiempo.
¿Estás interesado en el tiempo en lo que respecta al arte?
Absolutamente. El arte es una herramienta para ayudarme a involucrarme con los tiempos en los que vivo hoy, pero también una herramienta para conocer el mundo en el que vivo. Es importante que estemos presentes porque solo si estamos presentes podemos experimentar algo, ¿Podemos vivir algo? ¿Podemos intercambiar? ¿Podemos producir algo? Eso es lo que quiero. Entonces, el arte es una herramienta para afrontar la realidad, pero también es un lenguaje.
Eres de Suiza pero vives en París y tienes un estudio en Nueva York. ¿Crees que el lenguaje de tu arte se entiende en cada uno de estos lugares?
Seguramente. Mi lenguaje es mi arte, mi forma, mis materiales, mi luz, mi densidad, mi energía, mi conexión que intento mostrar en toda su complejidad: ese es mi lenguaje. Y es algo particularmente hermoso cuando este idioma puede contagiar a otros, creo que esa es la palabra más importante aquí. Si alguien me dice: “Me siento infectado por tu arte, me siento impactado, no deja de afectarme”, entonces creo que es un paso importante.
¿Las conversaciones sobre arte suelen ser demasiado complicadas?
No puedo hablar por los demás, pero para mí el arte no es complicado; es complejo, sí, pero veo una diferencia entre complicación y complejidad. Creo que la complejidad es lo más importante. Pero cuando hablo de mi trabajo no me refiero a hacer algo más complicado de lo que realmente es. Tampoco se trata de simplificarlo, se trata de mostrar cierta complejidad, con palabras que son mis palabras, con textos que son mis textos. Espero que mi trabajo contenga suficiente complejidad, para que todos piensen libremente, para pensar más, y que no tenga que intentar hacerlo más complicado a través de la forma en que me expreso.
Peter Ustinov dijo una vez que los artistas rara vez tienen sentido del humor. ¿Estarías de acuerdo?
Me han acusado de falta de sentido del humor. ¡Más de una vez incluso! No me tomo muy en serio y creo que eso es importante, quienes me conocen lo saben. Pero lo esencial para un artista es tomarse en serio su trabajo.
